-
Youri Nerriecportfolio
Beckrich
Paul Beckrich est né en 1955. Il débute la céramique en 1977, en passant de nombreuses années à étudier les techniques, travailler les matières et appréhender le monde de l’art. Il crée son atelier à Reims en 1987, et 2 ans plus tard une société spécialisée dans l’email sur porcelaine. Parallèlement à une activité d’enseignant, il poursuit ses recherches sur la sculpture qui le mènent vers un travail figuratif sur le mouvement.
Depuis une vingtaine d’années son orientation “artistique” s’est dirigée vers la création de sculptures en céramique par la technique du Raku. Les sculptures de Beckrich sont essentiellement des personnages portant une connotation ethnique. Ceux-ci reflètent une civilisation ou une époque déterminée qui peut passer de l’antiquité jusqu’à nos jours, ou parfois même découlent sur un monde imaginaire. Ensuite et parallèlement, la matière du bronze est venue s’imposer à son travail. Ces deux disciplines sont complémentaires à son expression et sont en accord avec ses trois directives qu’il a toujours suivi : la matière, l’expression et le mouvement.
Dans ses oeuvres, le rendu des matières est incroyablement naturel grâce à la qualité des surfaces et patines: colorées, chatoyantes, soyeuses et lumineuses. La finesse de la ciselure dans son travail rend tout le relief des drapés et des plissés des étoffes de ses personnages. Depuis quelques années, cet artiste est devenu la référence en matière de sculptures costumées. Ses personnages font désormais partie de nombreuses collections publiques et privées dans le monde.
-
Youri Nerriecportfolio
Kuman
Kuman est un artiste autodidacte dont l’inspiration rencontre chacun de ses souffles.
L’artiste Kuman crée des oeuvres épurées à la taille de sa plume et puise sa force au plus profond de ses blessures. Il nous livre ses émotions avec la puissance des matériaux qu’il utilise, l’inox poli miroir, la maille de fer, l’or fin et la sensualité de ses lignes. Bien que constitués de matériaux rigides, les personnages représentés par l’artiste s’illustrent par leur légèreté. Aériens, ils semblent flotter.
Ces figures androgynes se jouent de la spatiaialité qu’elles investissent. Parfois liés, souvent fragmentés, ces délicats personnages s’offrent à nous par la langueur de leur gestuelle. Finesse et robustesse parviennent ainsi à coexister avec un équilibre tout aussi déroutant que saisissant. L’esthétique épurée et futuriste des formes qu’emploie Kuman n’est pas sans nous évoquer celle utilisée au sein de la mouvance post humaniste.
Le corps est dépouillé des caractéristiques qui singularisent et individualisent une entité ciblée.
Les personnages sont analogues et androgynes, ils incarnent l’Humain dans son essence et son universalité. De manière chimérique, le corps se désincarne. Les creux et les effets de transparence nous révèlent la profondeur et l’intimité des personnages. Au moyen de cet univers, l’artiste octroie la possibilité à ses sculptures d’adopter des postures et des capacités physiques surhumaines.
Des membres entrelacés, se pliant au-delà de la mesure du possible, émergeant de surfaces de prime abord infranchissables, ou encore perfectionnés par des excroissances leur permettant entre autres de s’envoler. Kuman magnifie des corps humains hybrides aux esthétiques protéiformes. Transcendantaux et omniscients, ils s’incarnent et s’illustrent par leur spiritualité.
Il dessine ainsi un monde où l’art est capitaine de son destin et dans lequel son âme est maître. Kuman a toujours eu la conviction que la vie est un subtil mélange de détermination et de lâcher prise.
C’est aujourd’hui le reflet de ses oeuvres.
En exposition permanente à la Galerie MANER – fine art de pont-aven (Bretagne)
-
Youri Nerriecportfolio
WITTWE
Wittwe à la Galerie MANER
Wittwe en exposition permanente à la Galerie MANER : Artiste lorraine, née en 1959, Betty WITTWE est une artiste précoce, de ceux dont la vocation est venue naturellement, comme une évidence. L’amour des couleurs, elle le tient de son oncle, qui lui enseigne toutes leurs subtilités quand elle est enfant. Formée à l’école des Beaux-Arts de Metz, sa carrière démarre immédiatement à l’âge de 17 ans, où elle peint meubles, fresques et illustrations. Elle a eu la chance, grâce à de belles rencontres, de toujours pouvoir vivre de son art. En 1998, un galeriste français installé à New-York repère ses toiles et les fait voyager vers la Grosse Pomme. Ses paysages provençaux très colorés y font fureur, et continuent, 20 ans après.
Dans un premier temps, cette femme à la joie de vivre saisissante est avant tout une remarquable coloriste. Ses toiles arborent des couleurs éclatantes, qu’elle sait entremêler avec harmonie. Autour du thème de la femme et des fleurs , sa palette éblouissante de couleurs et d’audace au service d’un dessin parfaitement maitrisé, réussit à inscrire ses personnages dans un décor à la fois lyrique et intime .Une approche qui se retrouve dans le traitement de ces paysages qui privilégient les émotions expressives de la nature.
Un jeu, mais aussi une histoire
“Un jeu, mais aussi une histoire”. L’artiste a réalisé une série d’œuvres, en hommage aux grands peintres, dans lesquelles elle s’amuse à les réunir : « Je m’inspire d’un tableau célèbre, que je détourne, Je modifie les personnages et la mise en scène pour y inclure Klimt, Lichtenstein ou encore Picasso. C’est une manière de raconter des histoires », révèle la peintre, qui ne manque pas d’humour. Dont les toiles renvoient des clins d’œil contemporains. Ne vous méprenez pas, vous risquez de croiser Tintin et Milou qui, sur un coin de tableau, côtoient Van Gogh ou Nikki de Saint Phalle. Paysages, portraits, détournements, bouquets ou explosion d’Alice au Pays des Merveilles, toutes ses créations à huile ou à l’acrylique se sont nourries de ses voyages.
Prix
Salines royales de Dieuze
Armonty Montigny les Metz
Minerva Maizière les Metz
Salon des peintre femmes de l’est Nancy
1er prix de l’illustration de la petite enfance Metz édition serpenoise
Médaille d’argent au salon de Vittel 2008
Grand prix du salon des artistes lorrains à Nancy 2008Pour finir, Wittwe est en exposition permanente à la Galerie MANER depuis 2021
-
Youri Nerriecportfolio
Malinowski
L’artiste: Malinowski
Andrzej Malinowski est un peintre français d’origine polonaise, né en 1947. Il est diplômé de l’Académie des Beaux-Arts de Varsovie. Il vit en France depuis plus de 40 ans en exerçant les métiers d’illustrateur de directeur artistique, d’affichiste et de sculpteur plasticien. l’une de ses affiches les plus célèbres est d’ailleurs celle du Grand Bleu de Luc Besson, qui lui vaut d’obtenir le César 1989 de la meilleure affiche de cinéma. Malinowski est dans un premier temps reconnu par les membres de la profession qui l’ont nommé membre du jury d’Académie des Arts et Techniques du cinéma pour les César. Après, C’est néanmoins à la peinture de chevalet qu’il se consacre depuis plus d’une décennie. Les œuvres de Malinowski font partie des collections du monde entier.
“Mes passions pour l’histoire de l’art et la musique, mon goût pour la poésie et le fantastique imprègnent mes images hyperréalistes”.
Ensuite, ses tableaux enrichissent d’une note très particulière et pertinente le paysage de la création contemporaine. Ils sont remarquables par leur originalité, leur exigence d’une parfaite exécution et par leur poésie. De plus, il ose jouer les notes de la pudeur, de l’intime et du secret. Il persiste avec maestria dans son retour aux éternelles références culturelles et spirituelles. Les personnages de ses tableaux émergeant de transparences blanches, rouges et bleues. Mais c’est avant tout par leurs regards et leurs gestes qu’ils nous subjuguent.
Enfin, Ses oeuvres sont présentées à la Galerie Maner depuis le printemps 2020.
-
Youri Nerriecportfolio
Colomina
Jorge COLOMINA naît en 1953, en Alcoy
– province d’Alicante (Espagne). L’Espagne franquiste des années 60 est pour colomina synonyme de l’émigration de ses parents vers Marseille. Il les rejoindra à Paris avec son frère en 1963.
Dès son plus jeune âge, il exprime sa passion pour le dessin et la peinture. A peine installé à Paris, sa curiosité et son goût pour l’art l’emmènent à la découverte des musées de la ville lumière. Pinceau en main, il apprend, il persévère : croquis, esquisses, tableaux… Enfin, à trente ans, il décide de se consacrer exclusivement à son art… Il choisit Antibes et ses rivages méditerranéens comme terre d’accueil pour vivre sa peinture en toute liberté. Il vit aujourd’hui à Nîmes.
Depuis toujours, il admire Picasso, Miro, Cézanne, Matisse..
il étudie leurs œuvres et travaille sans relâche à trouver son propre style… Les influences d’une vie ! Des couleurs vives et toujours en mouvement pour exprimer sa passion et ses émotions. La peinture de COLOMINA, s’il faut la définir, s’apparente à du « Figuratif Abstrait ». Il travaille ses tableaux sans aucune hésitation. Il mélange avec précision les pigments, l’acrylique, les huiles, les encres.
Aucune restriction de taille ou de volume, il peint sur petits et grands formats. Pour lui, sa peinture est son écriture. Charnelle. Il occupe tout l’espace. Tout se joue là, sur la surface du tableau. Pas d’arrière-plan. Rien d’accessoire. La forme au service de la couleur, la couleur pour transcender la forme.
Sa peinture est l’énergie même, architecturale, précise, sensible, palpitante de vie. Dans sa pittoresque recherche de la pulsion de vie et ses palpitations, dans la traversée à l’écoute de ses propres vibrations, le peintre qui n’a jamais lâché la main de l’enfant qu’il a été, jette encore sur la toile les tensions créatrices originelles, sources lumineuses qui se sont au fil du temps déployées, affinées, affirmées. Tout est rondeur, matière, couleur, lignes, luminosité.
D’expositions individuelles en expositions collectives,
Les toiles de colomina parcourent la France et traversent les frontières. Jorge COLOMINA est estimé, coté et vendu à Drouot Paris par Maître Arnaud Cornette de Saint-Cyr, commissaire priseur.
À l’occasion du quarantième anniversaire de sa carrière artistique, ainsi que de la parution de son premier ouvrage, Jorge COLOMINA est venu présenter ses dernières créations à la Galerie Maner les 20 et 21 mai 2018.
Il fait partie des artistes permanents de la Galerie.
-
Youri Nerriecportfolio
Peltzer
L’Artiste Marc Peltzer
Marc PELTZER est né le 2 décembre 1962 à Saint Germain en Laye. Il est d’origine belge par son grand père paternel, Marc PELTZER a toujours été influencé par les peintres flamands, leur clair-obscur et leur lumière particulière. Aujourd’hui ses peintures nocturnes représentant des villes et des paysages imaginaires. S’inspirent de cette atmosphère spécifique, quasi magique. De plus Il recherche dans ses œuvres une harmonie entre les constructions humaines et la nature qui les entoure. Après Ces villes et villages s’intègrent parfaitement dans les paysages qu’il imagine. En utilisant toujours les même matériaux naturels: la pierre et le bois. Ils en sont le prolongement, comme un rappel que l’homme n’est pas au dessus de la nature qui l’entoure, mais qu’il est, en quelque sorte, le garant de l’équilibre du monde.
“Il se ressent dans sa peinture la musique qu’il écoute”
Dans d’autre termes, Il se ressent dans sa peinture la musique qu’il écoute en travaillant, le baroque et Bach principalement. Sa façon de faire cohabiter ces villes éclairées d’une lumière chaude avec des paysages baignés de la lumière froide de la lune. Est à l’image des lignes mélodiques des contrepoints de Bach, faisant naître l’harmonie de mélodies différentes qui se complètent.
Expositions et distinctions
Les œuvres de Marc PELTZER ont été présentées depuis le début des années 90 dans de nombreux salons d’Art en France et à l’étranger. Très rapidement son travail à été reconnu et exposé dans des galeries de prestige aux quatre coins du monde :
Dubaï, Miami, Paris, Versailles, Honfleur, Courchevel, St Paul de Vence …Marc PELTZER expose son travail à la Galerie MANER depuis l’automne 2017.
-
Youri Nerriecportfolio
Teman
BIOGRAPHIE : Teman
Brigitte TEMAN est née en 1969 à Châlons-en-Champagne. Des études de chirurgie dentaire lui apprennent l’anatomie et la précision du geste.
Elle continue sa carrière de chirurgien-dentiste jusqu’à ce qu’une maladie la contraigne au repos. Un aléa de l’existence qui va se transformer en aubaine car elle découvre alors le travail de la terre. Cette pratique ne la lâche plus, elle accumule les expériences dans les ateliers d’art et s’initie au bronze.
Sa rencontre avec Mickael Marciano la conforte dans cette vocation; elle ferme alors son cabinet. S’en suit alors une extraordinaire carrière. Sous la double influence de Rembrandt Bugatti et de François Pompon. Les deux grands maîtres de la sculpture animalière du XXe siècle,
“Un style où elle privilégie la beauté de la ligne”
Teman développe un style où elle privilégie la beauté de la ligne et des formes en s’appuyant sur un traité en lisse-tendu qui permet de les faire ressortir avec force. Elle aime par ailleurs jouer sur les contrastes de matières et de textures, en juxtaposant parties traitées “brut” aux parties lisses.
Ses matériaux de prédilection sont le bronze et l’aluminium.
Sans cesse, elle revient sur ses pièces et la suite de l’histoire se poursuit à la fonderie où elle participe à toutes les opérations, s’accordant le privilège d’intervenir à tous les instants. Elle travaille avec des fonderies de renom telles que la fonderie de la Plaine, Chapon et Landowski.
Une de ses sources d’inspiration est l’humain. Les lèvres sont charnues, les regards mélancoliques, les poses pudiques : Brigitte TEMAN sculpte des femmes irrésistiblement belles, surprises dans leur quotidien, affichant leur nudité avec beaucoup de tendresse et de sérénité. Brigitte TEMAN traite un thème hyper classique – celui du nu féminin – avec une telle personnalité que son œuvre dégage sans conteste originalité et authenticité, poésie et délicatesse.
Expositions et distinctions
Brigitte TEMAN expose depuis plus de quinze ans en France et à l’étranger. Elle présente son travail en permanence à la Galerie MANER de Pont-Aven.
-
Youri Nerriecportfolio
Benharrouche
Né en 1961 à Beersheva, en Israël, de parents profondément croyants, Yoël Benharrouche grandit à Aschdodoù il devient très tôt un passionné des Ecritures et un familier des centres d’études. Depuis son enfance, il est immergé dans une spiritualité complète liée à son éducation religieuse. Benharrouche arrive à Nice en 1974 et, jusqu’en 1985, complète sa formation aux Beaux-Arts, tout en étudiant les textes fondamentaux de la tradition juive et en enseignant le dessin. Ses premières toiles laissent entrevoir une sensibilité très vive, une intériorité tendue vers l’Absolu et la recherche d’une esthétique nouvelle pour exprimer sa conception mystique de l’Homme et du Monde.
En parallele à ses activités artistiques, il acquiert une connaissance profonde des textes de base de la tradition juive.
En 1993, il rentre en Israël, s’installe aux portes du désert, et là, dans un cadre grandiose chargé d’histoire et de spiritualité, il donne libre cours à son inspiration. Entouré de sa femme et de ses cinq enfants, il sculpte et peint un monde où le matériel s’élève jusqu’au spirituel, où le lyrisme des couleurs et la délicatesse des formes sont une célébration du Créateur et de sa Création. Aujourd’hui, Yoël Benharrouche expose sur les cinq continents. Ses œuvres enrichissent de nombreuses collections privées et la critique salue en lui un talent confirmé.
Très attaché à l’histoire et aux racines religieuses de son pays, le peintre puise dans ce désert qui lui sert de toile de fond, la sève de son art. « Le désert de Judée est là, il me parle sans cesse, le vent chaud souffle et me joue des mélodies qui accompagnent mon pinceau dans son voyage étoile ».
Expositions et distinctions
Yoël BENHARROUCHE est exposé à la Galerie MANER de Pont-Aven depuis l’automne 2018. Artiste de renommée internationale, les œuvres de Yoël BENHARROUCHE font partie de nombreuses collections privées de prestige à travers le monde entier.
-
Youri Nerriecportfolio
Hervé
Autodidacte, né en 1958, Édouard HERVÉ a d’abord commencé sa vie artistique par la peinture, puis a découvert le monde de la sculpture figurative en travaillant le bois, la pierre et l’argile. Mais c’est le plâtre qui va être sa matière de prédilection. Qui va lui permettre de s’exprimer librement de pouvoir transformer ses maquettes ainsi réalisées en bronze. Il est à la quête du mouvement dans l’espace pour parvenir à créer des lignes de force tendues. Aux arêtes nerveuses, afin de les opposer dans de belles harmonies entre équilibre et déséquilibre.
Ses oeuvres, intelligentes, présentent des mouvements dynamiques les apparentant à des figures de danse qui ne peuvent que séduire le collectionneur.
L’Artiste démontre que la simplicité apparente des formes n’exclut pas pour autant un message profond et attractif qui interpelle..
La sculpture d’Edouard HERVE est sur le plan esthétique une révélation.
Edouard parvient par une délicatesse expressive à traduire dans la matière des lignes de force incisives, apportant à chacune de ses réalisations une réalité qui ne peut que séduire.
C’est un peu comme si ces lignes matérialisaient des gestes tracés dans l’espace. Elles se retrouvaient tout à coup figées dans le bronze. Edouard HERVE réussi a exprimer des émotions palpables et communicatives en se basant sur une géométrie à la fois rigoureuse et poétique.
Edouard HERVÉ est un artiste à très grande renommée internationale. Ses œuvres sont collectionnées en Europe, Asie, USA et Moyen-Orient.
Edouard HERVE expose son magnifique travail tout au long de l’année à la Galerie Maner de Pont-Aven.
-
Youri Nerriecportfolio
Miramontes
Isabel MIRAMONTES
est née en 1957 à Saint-Jacques de Compostelle, en Espagne. Ce haut lieu de pèlerinage, d’origine celtique, la fascine et reste pour elle un endroit magique. Mais c’est en Belgique, à Bruxelles, que l’artiste grandit et fait ses études: elle obtient un régendat en Arts Plastiques à l’institut Ste Marie. Elle poursuit sa formation à l’Académie des Beaux-Arts de St Gilles, dans l’atelier de Patrick Pouillart. Elle acquiert une solide expérience du dessin et du croquis sur modèle vivant.
Miramontes garde de cette expérience le besoin de fixer à tout moment la gestuelle de l’homme, attitudes et impressions jetées sur de multiples cahiers de croquis. Autant de témoignages du regard subtil et perspicace qu’elle promène autour d’elle. L’Artiste suit également les cours de l’historien d’art Gastón Fernandez qui marque sa réflexion artistique. Rigoureuse mais généreuse, toujours animée d’une grande ouverture d’esprit. C’est dans l’atelier de Jacob Hasbún qu’elle découvre avec passion la sculpture qui devient la voie d’expression privilégiée à laquelle elle se consacre désormais.
Elle crée des pièces en bronze à la patine chaleureuse. Ses œuvres, plus ou moins réalistes, s’apparentent à une hybridation entre le corps humain et l’objet. Le sculpteur y intègre les notions de corps, de mouvement et de vie humaine. Elle laisse entrevoir un vide sur chacune de ses œuvres.
Semblables aux découpes des momies de l’Egypte Antique.
Les corps partagés entre le mouvement et le vide ont tout l’air d’être à moitié ensevelis. Pour Isabel MIRAMONTES la sculpture n’est pas un bloc de matière auquel on donne une forme, mais plutôt un vide auquel l’artiste donne une surface. Ses corps découpés en lanières saisissent un mouvement, un sentiment. Tout en respectant les canons anatomiques, font entrer une autre dimension dans l’œuvre d’art : le sensible.
Expositions et distinctions
Les œuvres d’Isabel MIRAMONTES sont collectionnées et présentées à travers le monde. Elles sont notamment visibles dans certains des plus beaux hôtels, tels que le Ritz-Carlton à Dubaï.
Le travail de l’artiste est exposé en permanence à la Galerie MANER de Pont-Aven, où vous pouvez découvrir ses œuvres toute l’année.
