Marc PLETZER is a French artist, he is born in 1962.
Marc PELTZER paints cities at night and fantasy nocturnal landscapes.
He always painted cities, even in his landscapes there are always human construction. He is involved in the relationship between man and nature, the place that human constructions take in the environment.
His paintings with landscapes are a search for a balance between man and nature, the cities that he represents must always integrate as well as possible to landscapes, they are the continuation.
They are made of stones and wood, they are part of nature, contrary to what we often see with the present towns that replace nature, which erases it to settle in its place.
The ecological problems encountered at present are surely due to the fact that man may have placed it above nature as if it did not exist, without taking account of the balances necessary for its functioning over the long term.
« My landscapes are a bit of a search for harmony between the human infrastructure and the nature from which it springs, the search for a perfect balance, but the more I paint landscapes the more I realize that there is An infinity of possible equilibrium. »
Exhibitions
Marc PELTZER has exhibited in many Parisian art fairs, he has been working regularly with art galleries since 1998, in Honfleur, Paris, Cannes, Courchevel, London… Marc PELTZER displays is artworks as pemanente artist at Maner’s Art Gallery since Fall 2017.
Architect, passionate by « Futurism », nephew of famous actor, Jacques Dufilho, Antoine Dufilho is painter himself, sculptor, esthete and the greatest fan of Bugatti. Since his early childhood, he has been surrounded by the family’s passion about sportive cars and its’ mechanical beauty.
Self-taught man, he has decided to work on the purification of various legendary and exclusive car models, and to decline each car in « series » of different interpretations. These car models, made of aluminum plates, hammered and soldered together, dressed in custom paint, are expression of speed itself, with oval-shaped wheels, reminding us the effect produced by an old-time photographic shutter (of former days).
Such representation aims to make lighter the models and keep an authentic morphology of the automobile, it gives also a complex vision of new multiple curves. This way of representation reminds the mechanical art of an engine or car’s front grille, and offers to spectator a special perception of the model from different viewpoint. He seeks to integrate in his artworks all aspects of modernity, and especially by choosing materials.
Exhibition and Honors
Since 2013, Antoine Dufilho is displayed in many he exhibits exclusively in Paris at galleries Mickael Marciano.
His talent was awarded by many prices, including the prestigious Stipendium Pollock-Krasner Foundation in 2005. His Art is showcased at the Prague National Gallery, and many private and confidential Collections in Czech Republic, Italy, Germany and USA.
Milan HOUSER doesn’t paint in the true sense of the word, but pours coloured masses onto the horizontal canvas, which he divides into specific sections. They are called “chambers”. They do not form a completely accurate border, but the paint rather flows over them, pushing out and flooding in a slow sludge, with a streamy and sticky attraction. It then creates a new life to the painting, arising from the mixture, and the result is a large and non-predestined appearance. The result is a painting without gaps, equally dense and viscous, which gradually gets stuck and condensed, boggled down, into a soft homogeneity. The viewer is confronted with a painting, simultaneously elastic stunningly colourful.
Milan Houser naît en 1971. Son talent s’est vu récompenser par des prix honorifiques, dont la très prestigieuse Fondation Stipendium Pollock – Krasner en 2005. Ses oeuvres font partie de la collection permanente de la Galerie Nationale de Prague et contribuent à plusieurs collections privées et confidentielles en République tchèque, Italie, Allemagne, ainsi qu’aux Etats-Unis.
Milan Houser ne “peint” pas au sens propre du terme, mais “coule” sa peinture en volume sur la toile posée à l’horizontal, divisant le tableau en sections bien définies. Les zones ainsi créées – que l’Artiste dénomme “chambres”- ne présentent pas de limites distinctes puisque la peinture se répartie de façon aléatoire et savante. Une nouvelle oeuvre prend vie, née de matièreset de formes inattendues. L’espace se comble alors sans répit, créant un effet à la fois glacé, élastique et homogène. Le public est depuisconquis par ces tableaux, aux couleurs flirtant entre éclat et subtilité. Il fait partie depuis quelques année de la selection d’artistes de la Galerie Maner
Nathan NEVEN , born in 1979 and living in Ireland for many years. His childhood passions were growing, drawing and painting everything around him.
With his strong desire to make his dream come true to become full- time painting artist, Nathan NEVEN decided to move to Paris, one of the world capitals of Arts and Cultures, attended some short courses in Art to enrich his skills and experiences.
Nathan’s art captures the moments of his dream, his living in Europe and his travel experience. Nathan NEVEN is inspired by everything around that touches his soul — the joy and beauty of life itself, the beauty of nature and his surroundings.
His influences include a diverse group of impressionist artists and abstractionism. Nathan NEVEN uses the play of light, texture, color and shape and the interesting juxtapositions in our everyday lives.
Exhibitions
From 2006 he had some successful art shows which allow him to become a professional artist.
« I believe in the power of art. For me, each piece of art has a soul and possesses the ability to affect people’s lives. Everyday I feels blessed to be able to create his art. My style has centered upon color relationships, the presence of light, and a sense of energy. »
Nathan NEVEN, displays his work at Gallery MANER since Spring 2018
Nathan NEVEN, nait en 1979 et commence à peindre dès sa plus tendre enfance. Après des études d’art et communication il devient graphiste maquettiste pour des magazines, puis graphique designer dans la publicité.
Depuis une dizaine d’années, il mène sa carrière d’artiste à plein temps dans une carrière internationale.
Ses expositions le mènent dans les plus prestigieuses galeries d’art des grands magasins du Japon. Chaque année, plusieurs « Nathan Neven One Man Show » lui sont consacrés dans les principales villes japonaises.
L’artiste exprime dans ses paysages des couleurs vibrantes interprétées et imaginées. Nathan maitrise la langue expressive de la couleur avec une spontanéité et une émotion rare.
Par une technique éprouvée il peint et nous fait ressentir ses émotions dans une harmonie dynamique et chatoyante.
Nathan NEVEN fait partie de cette génération d’artistes contemporains qui tout en admirant ses ainés classiques ou modernes peignent avec spontanéité et émotion … tout simplement.
« Pétillants et captivants, les tableaux de Neven sont une nourriture pour les yeux et vous touchent au plus profond de votre âme. Nathan Neven croit au pouvoir de l’Art d’enrichir la vie »;
Expositions et Distinctions
Ses expositions personnelles récentes le mènent dans les plus prestigieuses galeries d’art des grands magasins du Japon. Chaque année plusieurs « Nathan NEVEN One man show” lui sont consacrés dans les principales villes japonaises.
Nathan NEVEN est exposé à la galerie Maner le Pont-Aven depuis le Printemps 2018
Georges COROMINAS est le fils d’un artiste peintre espagnol. Il est né en 1945. Après des études en Algérie à l’Ecole Nationale des Beaux-Arts d’Alger, il regagne la métropole en 1962 où ses peintures sont très vite remarquées.
Le travail de Georges COROMINAS est influencé par celui de célèbres peintres espagnols tels que Goya, Murillo, Vélasquez ou Dali. Georges COROMINAS est admiré pour sa précision des traits et pour son utilisation des couleurs. Ses toiles sont harmonieuses, les dessins sont incroyablement précis et les thèmes abordés sont variés. L’artiste met en scène des personnages aux allures nobles évoluant dans des paysages merveilleux et colorés.
Du fait d’un palmarès de titres et de prix prestigieux, Georges COROMINAS est très prisé des collectionneurs. Il est notamment à l’origine du timbre à 0,60 sélectionné par le Prince et la Princesse de Monaco et a effectué les portraits de Juan Carlos, de Hassan II et du Pape Jean-Paul II.
Expositions et distinctions
Les œuvres de l’artiste Georges COROMINAS sont exposées dans le monde entier. Ses peintures sont notamment présentes au Consulat de la Cour Royale d’Espagne, au Musée du Vatican, à l’Ambassade du Maroc, au Japon, au Moyen-Orient, aux Etats-Unis…
L’artiste est coté dans le « Dictionnaire de Cotation Drouot » et dans « Akoun».
Georges COROMINAS fait partie des artistes permanents exposés à la Galerie MANER.
FALCONE is a 26 years old French artist and designer. This year, he unveils his work exclusively in Art Galleries in Paris and Pont-Aven.
With LED, neon, optical fiber and mirror, he creates contemplative and live experience pieces. Thanks to the visual impression, he overturnes codes and questions the eye’s reliability.
He plays with geometric shapes and takes pleasure to revisit the 80’s pop myths using for example Star Wars caracters or electric guitars.
Exhibitions
FALCONE displays his Wonderful Kinetic Art sculptors since 2017 in prestigious galleries in Paris. Revealed as major artist in 2017 for is audacity and design, he has been selected by the prestigious luxury Hotel – Plaza Athenée on the famous Avenue Montaigne in Paris to settle a personal exhibition inside the Hotel on spring 2018. His sculptures have been presented at Maner Art Gallery at the very same moment with the exactly same assessment… What a brilliant artist !
Falcone, de son vrai nom Mathias Chetrit, est depuis toujours passionné par l’art optique et cinétique. Et pour cause, il est le petit-fils de Jean Cherqui, spécialiste et grand collectionneur d’art cinétique et d’art abstrait géométrique.
Falcone vit l’art pour ce qu’il est et rien d’autre. Il utilise la technique des jeux d’optique et la structure de l’abstraction lumino-cinétique pour explorer en profondeur la nature des opportunités -, des coïncidences et des changements du regard face à une oeuvre d’art. Un trou infini est une forme qui revient comme un leitmotiv dans sa création artistique. Ses oeuvres font penser aux trous noirs de l’univers, énigmatiques, dynamiques et vivants, traversant l’espace-temps. L’artiste travaille beaucoup avec des néons, des LEDs, du verre et du Plexiglas qu’il utilise comme un langage esthétique, créant un infini envoûtement hors de tous repères spatio-temporels. L’exercice de mise en abîme dans ses oeuvres fait travailler l’oeil du spectateur. A la frontière entre art et design, les oeuvres de Falcone sont un jeu de symétrie, de lumière, de miroir et d’infini, et ces milliers de pointillés qui les composent offrent un aspect presque moléculaire à son travail. Il positionne ses créations entre experience et oeuvre contemplative.
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Youri Nerriec
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