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Patrick Rubinstein Galerie Maner
Galerie Maner · Pont-AvenPatrick RubinsteinOp Art · Œuvres cinétiques
Au contact, l'image devient vivante.
Patrick Rubinstein est un artiste français né en 1960. Il travaille et vit actuellement à Paris.
Par un procédé innovant, l'artiste propose de voir ses créations en trois dimensions, voire de voir plusieurs œuvres en une seule : trois points de vue différents deviennent possibles. En ce sens, il travaille sur la notion d'Op Art, ou art optique, un genre qui joue avec nos perceptions et nous leurre — un style qui a connu une ascension fulgurante dans les années 1960.
Quand Vasarely conçoit des trompe-l'œil abstraits dans l'espace en transformant l'architecture, Patrick Rubinstein joue avec le figuratif : il se réapproprie des icônes de la pop culture et nous les présente sous différentes facettes. Il développe un univers cinétique à partir d'influences multiples — de la Renaissance au Street Art en passant par le Pop Art ou le surréalisme — où sa créativité ne connaît pas de limites.
Patrick Rubinstein a notamment travaillé avec Philippe Starck et ses œuvres sont présentées dans le monde entier. En 2013, cinq ans seulement après avoir vendu sa première œuvre à Drouot, il était classé 89ᵉ au top 100 des artistes français les mieux cotés.
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Nathalie Seguin – Galerie Maner
Galerie Maner · Pont-AvenNathalie SeguinSculptrice · Bronzes originaux
À l'honneur · Vernissage les 11 & 12 juillet 2026Une danse suspendue dans le temps.
Nathalie Seguin est née à Angers en 1964, fille d'un artiste peintre. L'enfance de l'artiste a été imprégnée de l'univers artistique, ce qui a éveillé en elle une passion pour la création.
Après avoir poursuivi des études en urbanisme, Nathalie a choisi de s'exprimer artistiquement à travers le modelage. Cette forme d'expression lui a permis d'épanouir sa sensibilité créative et de donner vie à ses idées avec enthousiasme. Elle transforme avec talent des matériaux inanimés en une énergie vitale. Son style s'inspire grandement de l'Art Nouveau et ses sculptures captivent par leur mouvement perpétuel : ses personnages semblent figés à la limite de l'équilibre, créant une impression de danse suspendue dans le temps.
Gracieuses et féminines, ses œuvres sont facilement reconnaissables grâce à leurs drapés abstraits. Ces drapés, qui semblent gonflés par un vent invisible, transmettent à la fois puissance et élégance. L'artiste joue habilement avec les contrastes et les oppositions des lignes et des textures, fusionnant l'abstrait et le figuratif pour donner à ses créations une force singulière. Ses bronzes sont le reflet d'une profonde énergie féminine et d'une volonté sincère de partager des émotions avec le spectateur.
Exposées à la Galerie Maner de Pont-Aven depuis janvier 2024, ses sculptures prennent vie dans un cadre idéal : chaque œuvre raconte une histoire et invite à réfléchir sur la beauté et la fragilité de la condition humaine.
Ses œuvres seront à l'honneur lors d'un vernissage les 11 et 12 juillet 2026 à la Galerie Maner.
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Nadia CASCINI – Galerie Maner
Galerie Maner · Pont-AvenNadia CasciniPeintre · Huile sur toile
Nouvelle collection · Bretagne & Pont-AvenTout, dans sa peinture, est lumière.
Nadia Cascini est née à Arezzo en 1970, dans une famille d'orfèvres. Très tôt, elle développe une sensibilité artistique nourrie par la matière, la lumière et le travail des métaux précieux. Elle se forme à l'Institut d'Art d'Arezzo, où elle obtient son diplôme dans le secteur du métal et de la joaillerie. Parallèlement à ses études, elle s'initie à la peinture et approfondit sa pratique du dessin au sein de plusieurs écoles locales.
À partir de la seconde moitié des années 1980, elle participe à de nombreux concours de peinture à travers toute l'Italie, remportant de multiples premiers prix. En 1999, à Marina di Ravenna, elle est doublement primée et se distingue comme la seule femme récompensée parmi quatre-vingt-dix artistes engagés dans quarante-six compétitions.
Sa démarche picturale repose sur une construction progressive de la lumière : elle superpose de fines couches de couleur, travaillées successivement, mêlant différents cadrages au sein d'un même espace. Cette fragmentation confère à ses œuvres une dimension dynamique, presque incorporelle. Par la peinture à l'huile, elle déploie des nuances subtiles et des transparences complexes, donnant naissance à des œuvres empreintes de mystère et de poésie.
Depuis de nombreuses années, ses œuvres sont présentées dans d'importantes galeries en Europe, ainsi qu'à New York et à Singapour. Dans son processus créatif, le hasard occupe une place centrale : la mémoire de l'artiste se construit par strates de couleurs, au gré des variations de la lumière — héritage direct de sa fascination pour les reflets de l'or et des métaux.
Attachée aux paysages et aux horizons marins, Nadia Cascini en extrait l'essence, hors du temps. Les formes se dissolvent, se superposent, jusqu'à ce que leur structure se révèle lentement au regard : la peinture devient une surface vibrante, traversée par la lumière, invitant l'œil à une errance contemplative.
Pour la Galerie Maner, l'artiste a imaginé une collection inédite dédiée à Pont-Aven et à la Bretagne, où ses horizons marins rencontrent la lumière singulière de la cité des peintres.
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DI CONCETTO
Galerie Maner · Pont-AvenLuciano di ConcettoPeintre · Street Art & spiritualité
Entre Street Art et spiritualité, une énigme à contempler.
Depuis juillet 2023, la Galerie Maner expose les œuvres de l'artiste français Luciano di Concetto. Sa pratique se situe au croisement du Street Art et de la spiritualité, dans des compositions mystérieuses et méditatives qui invitent à un cheminement contemplatif et sensible.
Artiste à part, il puise son inspiration dans ses voyages à travers le monde. Ses tableaux, aux couleurs vives et aux textures variées, créent des contrastes saisissants et des compositions rythmées qui captivent le regard.
Ce qui rend son œuvre unique, c'est sa dimension mystique et spirituelle. Les symboles et motifs calligraphiques issus de ses découvertes culturelles — mandalas, art japonais — trouvent leur place dans ses compositions, créant des œuvres au sens mystérieux et secret.
Contempler ses tableaux est une expérience esthétique et spirituelle : de véritables énigmes, dont la signification nous est autant cachée que suggérée. Ses compositions vibrantes et poétiques, à la fois énigmatiques et apaisantes, invitent à une expérience méditative inoubliable, au cœur de Pont-Aven.
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ISTRAILLE
Galerie Maner · Pont-AvenIstraillePeintre · Street art & portrait
Quand l'art classique rencontre le street art.
Istraille incarne la rencontre entre l'art classique et le street art. Autodidacte passionné, il s'est aventuré avec détermination dans le monde des graffitis et des fresques murales, bâtissant les fondations solides de son talent en dessin et en peinture.
Sa passion pour le street art et la peinture classique l'a conduit à développer son propre style — un mélange subtil d'art urbain et d'art classique. En capturant l'essence de ses sujets, ses portraits transmettent une émotion saisissante.
Ses peintures dévoilent une sensibilité profonde et une puissance visuelle incomparable, nées de la fusion harmonieuse de sa touche street art et de ses coups de pinceau figuratifs. Audace urbaine et grâce classique s'y rencontrent avec une harmonie envoûtante.
La Galerie Maner est honorée de présenter ses œuvres captivantes — des portraits puissants qui transcendent les conventions et évoquent des émotions intenses. Des œuvres dynamiques, colorées et empreintes de vie, où l'art urbain rencontre la tradition classique.
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Kiko à la Galerie Maner
Galerie Maner · Pont-AvenKiKoPeintre · Pop & Street Art
L'important, c'est l'enfant, rien d'autre.
Manuel Fernandez, dit KiKo, est un artiste autodidacte français né en 1985 à Martigues. Sa Provence natale est indissociable de son œuvre : inspiré par les couleurs méditerranéennes — cet « orange brûlant » —, il nous emmène au cœur de sa jeunesse.
L'enfance est le sujet dominant de son travail. KiKo — surnom gardé de l'école — traduit l'innocence, la mélancolie, l'insouciance, le souvenir d'un passé disparu. Réveiller l'enfant qui sommeille en chacun de nous, tel est l'effet recherché dans chacune de ses toiles.
Pour KiKo, l'art doit rester un dessin d'enfant, de la réalisation jusqu'à sa compréhension. L'ourson, objet de réconfort, s'ancre dans cette volonté : les jouets portent nos évasions imaginaires, nos rêves, nos doutes et nos secrets les plus intimes.
La spontanéité du geste manifeste l'urgence créative ; la peinture projetée fait écho à ses racines Pop et Street Art. Le pochoir est proscrit : chaque pièce est unique. Si la résine donne à ses toiles leur ultra-brillance caractéristique, KiKo nous rappelle que l'essentiel se trouve sous le vernis de l'apparence. En quelques années, les « Mômes de KiKo » sont devenus de grands voyageurs, de Shanghai à Miami.
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Mackenzie
Galerie Maner · Pont-AvenStephanie MackenziePeintre · Énergie & mouvement
Peindre l'énergie : la réponse du corps à la musique.
L'histoire de Stephanie Mackenzie débute à l'âge de cinq ans, lorsque sa famille remarque et encourage ses inclinations artistiques. Elle hérite ses gènes créatifs de son grand-père et de son arrière-grand-père, tous deux peintres et créateurs d'objets en cuir. Ayant fait leurs armes à Paris, ils lui transmettent leur amour de la capitale française.
Elle retourne au Canada, son pays d'origine, pour obtenir un diplôme de photographie à la prestigieuse école d'art de Toronto, le Sheridan College, puis étend ses compétences au design, à la sculpture, à la peinture et au dessin. Quelques années plus tard, elle revient à Paris pour poursuivre son rêve. Ses œuvres sont aujourd'hui exposées dans le monde entier.
Creuser son monde intérieur est au cœur de son travail. Elle utilise la vibration du son pour s'immerger dans son subconscient et laisser sa voix intérieure s'exprimer par le mouvement. Les couleurs intenses et les coups de pinceau vifs qui caractérisent son œuvre sont la réponse instinctive de son corps à la musique qu'elle écoute — classique, lounge ou pop. En travaillant les formes, l'espace et les couleurs, elle crée une infinité de combinaisons.
L'essentiel de son processus repose sur le concept d'énergie humaine, inspiré des cours de karaté de son enfance : avant chaque mouvement, elle méditait pour « ne devenir qu'une, mentalement et physiquement ». En connectant son corps et son esprit, Mackenzie puise dans son subconscient et s'exprime à travers le mouvement, se réinventant sans cesse pour aller au-delà du visible. Son monde intérieur semble sans limites, admirablement inspirant.
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Leroux
Galerie Maner · Pont-AvenHedwige LerouxSculptrice · Bronzes originaux
Des silhouettes élancées, à la présence silencieuse et affirmée.
Après une formation en peinture et dessin à l'Académie d'art d'Uccle, Hedwige Leroux s'oriente vers la sculpture en 2008, à la suite de sa rencontre déterminante avec la sculptrice Luo Li Rong, dont elle intègre l'atelier. Elle y acquiert une maîtrise rigoureuse du modelage de l'argile et une attention particulière à la justesse du regard.
Au fil des années, elle affine sa pratique et affirme une écriture sculpturale singulière où la figure féminine occupe une place centrale. Réalisées en bronze, ses œuvres font l'objet d'un suivi attentif à chaque étape — du modelage initial jusqu'à la fonte, au ciselage et à la patine finale.
Ses sculptures se distinguent par la finesse de leurs lignes, l'équilibre de leurs proportions et une attention portée aux textures. La trace du geste demeure perceptible, inscrivant dans la matière une tension subtile entre spontanéité et maîtrise. De cette relation directe à l'argile naissent des silhouettes élancées, à la présence silencieuse et affirmée.
Dans une esthétique résolument contemporaine, elle interroge les gestes et postures de notre époque : ses figures s'approprient les signes du quotidien — tel le téléphone portable, prolongement de soi et symbole des interactions contemporaines. Dans l'intimité de l'atelier, l'artiste poursuit un dialogue exigeant avec la matière, à la recherche d'une épure où se conjuguent force intérieure, délicatesse formelle et présence incarnée.
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Beckrich
Galerie Maner · Pont-AvenPaul BeckrichSculpteur · Raku & bronze
Le mouvement et la légèreté, saisis dans la matière.
Paul Beckrich est un artiste français né en 1955. Il découvre sa vocation lors d'un stage de tournage et d'émaillage à l'âge de 21 ans.
Depuis 2006, il se consacre essentiellement à la réalisation de personnages en céramique cuite, avec la technique du raku, et en bronze.
Ses sujets sont inspirés de ses nombreux voyages à travers l'Afrique et l'Asie, auxquels il confère un étonnant mélange de mouvement et de légèreté.
Ses sculptures sont habillées de vêtements folkloriques ou médiévaux dont le rendu des matières est incroyablement naturel, par la qualité de ses patines : colorées, chatoyantes, soyeuses et lumineuses.
La finesse de la ciselure rend tout le relief des drapés et des plissés des étoffes de ses personnages.
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Kuman
Kuman est un artiste autodidacte dont l’inspiration rencontre chacun de ses souffles.
L’artiste Kuman crée des oeuvres épurées à la taille de sa plume et puise sa force au plus profond de ses blessures. Il nous livre ses émotions avec la puissance des matériaux qu’il utilise, l’inox poli miroir, la maille de fer, l’or fin et la sensualité de ses lignes. Bien que constitués de matériaux rigides, les personnages représentés par l’artiste s’illustrent par leur légèreté. Aériens, ils semblent flotter.
Ces figures androgynes se jouent de la spatiaialité qu’elles investissent. Parfois liés, souvent fragmentés, ces délicats personnages s’offrent à nous par la langueur de leur gestuelle. Finesse et robustesse parviennent ainsi à coexister avec un équilibre tout aussi déroutant que saisissant. L’esthétique épurée et futuriste des formes qu’emploie Kuman n’est pas sans nous évoquer celle utilisée au sein de la mouvance post humaniste.
Le corps est dépouillé des caractéristiques qui singularisent et individualisent une entité ciblée.
Les personnages sont analogues et androgynes, ils incarnent l’Humain dans son essence et son universalité. De manière chimérique, le corps se désincarne. Les creux et les effets de transparence nous révèlent la profondeur et l’intimité des personnages. Au moyen de cet univers, l’artiste octroie la possibilité à ses sculptures d’adopter des postures et des capacités physiques surhumaines.
Des membres entrelacés, se pliant au-delà de la mesure du possible, émergeant de surfaces de prime abord infranchissables, ou encore perfectionnés par des excroissances leur permettant entre autres de s’envoler. Kuman magnifie des corps humains hybrides aux esthétiques protéiformes. Transcendantaux et omniscients, ils s’incarnent et s’illustrent par leur spiritualité.
Il dessine ainsi un monde où l’art est capitaine de son destin et dans lequel son âme est maître. Kuman a toujours eu la conviction que la vie est un subtil mélange de détermination et de lâcher prise.
C’est aujourd’hui le reflet de ses oeuvres.
En exposition permanente à la Galerie MANER – fine art de pont-aven (Bretagne)